La película que reinventó el hombre que inventó la Navidad

Ya ha llegado a los cines El hombre que inventó la Navidad, una película navideña con resonancias literarias distribuida por DeAPlaneta. Traduciendo el dosier de prensa que ha ayudado a promocionar la película, hemos conocido muchas de las circunstancias que rodearon la creación de A Christmas Carol, la inmortal obra de Charles Dickens que toca con maestría temas como la familia, la bondad, la redención y la celebración. Este relato, que conocemos igualmente con los títulos de Canción de Navidad y Cuento de Navidad, fue un intento desesperado del autor por encontrar una fuente rápida de ingresos. En 1843, Dickens era un célebre escritor de 31 años que, tras haber gozado de un éxito apabullante con sus primeras novelas, se encontraba en el peor momento de su carrera y necesitaba dinero urgentemente para mantener el tren de vida al que POSTER_1Mb_Inventor_Navidades_jpg_141_mintanto él como su familia se habían acostumbrado. Acuciado por las deudas, en menos de dos meses escribió una historia sobre la Navidad profusamente ilustrada que se vio obligado a autopublicarse porque ningún editor confiaba en ella. Sin embargo, Cuento de Navidad alcanzó un éxito inmediato que renovó el interés y el entusiasmo por una festividad que estaba en horas bajas, renovando el espíritu de las Navidades victorianas tradicionales y dando comienzo a multitud de costumbres que hoy día siguen siendo populares, entre ellas la de felicitarse dicendo «Merry Christmas!».

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Dickens, entre 1867 y 1868

El hombre que inventó la Navidad es una película independiente que  promete sorprender mezclando un diseño de producción que reproduce con crudeza el Londres victoriano con elementos de fantasía que no se sostienen con efectos digitales, sino con diversos trucos visuales de la vieja escuela. El director, Bharat Nalluri (Un gran día para ellas), pudo disponer de un selecto reparto encabezado por actores de gran prestigio como Dan Stevens («Legión», «Downton Abbey», La Bella y la Bestia), Christopher Plummer (Sonrisas y lágrimas, El imaginario del doctor Parnassus, Beginners) y Jonathan Pryce (Brazil, El hombre que mató a don Quijote).

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Charles Dickens en 1842

Stevens nos ofrece un retrato de Dickens que cambiará la  imagen del adusto escritor victoriano de mirada penetrante y barba irreductible que todos conocemos. El atractivo actor británico, que guarda un enorme parecido con Dickens en su juventud, da vida en El hombre que inventó la Navidad a un hombre temperamental, ambicioso, agudo, chispeante y excéntrico, capaz de ponerse delante del espejo para ensayar muecas y voces extrañas. Dickens solía decir que los personajes de sus obras eran más reales para él en ciertos aspectos que las personas de su propia vida, y parece ser que mantenía largas charlas con sus creaciones mientras sus historias se desplegaban ante él. En la película, mientras Dickens se convierte en un personaje de la historia que está intentando escribir, desarrolla una relación antagónica con los personajes, sobre todo con Ebenezer Scrooge, que representa para el escritor su parte oscura, su lado mezquino y codicioso, que le cuesta aceptar.

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Scrooge y el fantasma de Jacob Marley. Ilustración de John Leech para la edición de 1843

El protagonista de Cuento de Navidad está encarnado nada menos que por Christopher Plummer, que interpreta a un Scrooge que es al mismo tiempo amenazador y travieso, y lo humaniza con grandes dosis de calidez e ironía. De este modo, el nombre del legendario actor canadiense ingresa en la lista de todos los que han prestado su cara al personaje, desde Seymour Hicks y Reginald Owen hasta Jim Carrey, pasando por Alistair Sim, Albert Finney, Rowan Atkinson, Bill Murray, Michael Caine, Tim Curry, Patrick Stewart y Kelsey Grammer, para ofrecernos una interpretación completamente nueva.

La película también explora la complicada relación de Charles con su padre, John Dickens, que presuntamente sirvió de inspiración para el despilfarrador señor Micawber de David Copperfield. El galés Jonathan Pryce, lejos de crear un papel estereotipado, opta por una inteligente ambigüedad dotando de simpatía y afabilidad a un hombre fácilmente reprochable que mandó a su hijo a trabajar a una fábrica de betún siendo aún niño, que a menudo sobrevivía gracias a la picaresca y que no dudaba en sacar provecho del nombre de Dickens, vendiendo fragmentos de borradores descartados del escritor.

Habiendo explorado con tanta profundidad la figura de Dickens, no es de extrañar que los principales responsables de El hombre que inventó la Navidad tengan mucho que decir del escritor:

Dickens había cosechado grandes éxitos con libros como Los papeles póstumos del club Pickwick, Nicholas Nickleby y Oliver Twist. Y luego tuvo algunos fracasos. Cuanto más leía sobre él, más fascinante me parecía. Tenía una mezcla de ambición, humanidad, mezquindad y grandeza de espíritu… era una persona compleja y extraordinaria. […] Dickens nos recuerda que en la vida hay cosas más importantes que nuestros intereses egoístas.
Susan Coyne, guionista

Es un lujo poco habitual disponer de un guion tan sólido. Es una pieza divertida y agradable con grandes personajes y un fulgor visual. Pero en el fondo tiene algo que decir sobre el mundo en el que vivimos. En cierto modo emula a Dickens, que creaba esos personajes tan grandilocuentes y a menudo cómicos, y los usaba para contar historias que dejaban una profunda huella en la sociedad y que además eran amenas. […] La suprema relevancia de Dickens radica en que nos da esperanza. Nos hace reír, nos hace llorar y nos hace pensar en el mundo que nos rodea.
Bharat Nalluri, director.

Creo que lo que Dickens quería era que nos responsabilizáramos de ser más generosos. Que debemos echar una mano, preocuparnos por los demás… Es un hermoso mensaje. Y verdaderamente cambió la forma en que todos entendemos la Navidad.
Susan Mullen, productora

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Gracias por el Deber cumplido

Tras su estreno en la gran pantalla, DeaPlaneta ha lanzado en vídeo este verano Deber cumplido, película que traspasa las barreras de la ficción cinematográfica para acercarnos a la realidad diaria del soldado veterano que, aunque haya regresado aparentemente intacto de la guerra, es incapaz de volver a la vida que dejó atrás.

El título original de la ópera prima de Jason Hall (Thank You for Your Service) coincide en inglés con el del libro en el que se basa, publicado en España en 2014 por Crítica con el título Gracias por sus servicios. El retorno de los soldados. Este ensayo del periodista David Finkel narra las experiencias reales de un grupo de soldados estadounidenses que tras servir en Irak viven con el recuerdo de una guerra que amenaza con destruirlos mucho después de haber dejado el campo de batalla. En palabras del autor: «Cuando terminas de leer las historias de las personas que aparecen entre las cubiertas de este libro —y si he hecho bien mi trabajo—, esas personas estarán tan presentes que la próxima vez que pronuncies esa frase [«Gracias por sus servicios»], tendrás una idea mucho más precisa de a quién estás dando las gracias… y por qué se las estás dando».

A la hora de afrontar el reto de convertir un ensayo en una dramatización cinematográfica, Hall (nominado al Oscar por su guion de El francotirador) se propuso ante todo llegar al corazón del espectador con humildad y franqueza: «Quería que el público viera en toda su crudeza un mundo que nunca había visto antes. El cine tiene la capacidad de generar comprensión y tender lazos de empatía como ningún otro medio». El director utilizó como piedra angular la experiencia del sargento Adam Schumann, con quien el director y guionista colaboró desde el principio del proyecto para encontrar la forma de reproducir la guerra interior que estos soldados traen a casa en su cabeza mientras intentan encontrar el camino de vuelta a sí mismos.

Las siguientes declaraciones de los principales responsables de la película (que tradujimos para el dosier de prensa) despliegan ante nosotros un mundo a menudo desconocido y demuestran el valor humano del cine cuando expone sin tapujos un tema que no siempre se ha tratado con el respeto y la empatía necesarios.

thank_you_for_your_service___poster_05___sin_hummer_minEstas personas […] vuelven de una guerra con heridas físicas, mentales y emocionales que son increíblemente complejas y difíciles de aceptar cuando vuelven a la vida civil. Nadie que no lo haya visto de cerca puede hacerse una idea, y está claro que son cosas muy difíciles de gestionar a la vuelta. Lo que admiro de estas personas es que quieren mejorar. Día tras día, Adam sigue viviendo su vida y peleando por salir adelante. Valoro ese espíritu de superación… y en eso hay mucha esperanza.
Miles Teller (Adam Schumann)

La posguerra es la guerra que estos soldados traen a casa en su cabeza y en su corazón. Se marchan del campo de batalla, lo abandonan, pero este no siempre los abandona a ellos. Estos recuerdos, imágenes y traumas se graban y crecen durante la guerra, y los siguen desgarrando por dentro como cuchillos. […] Se dice que el trauma destruye el tejido del tiempo porque hace que el tiempo no solo se mueve hacia adelante: te mueves en círculos, eres arrastrado de vuelta a esos acontecimientos traumáticos y luego lanzado otra vez al futuro, para volver a rebotar de nuevo. Esa es la lucha que libran personas como Adam o Solo, que regresan a casa con toda esa otra vida que han vivido, esa vida de riesgo y propósito que está más allá de todo lo que conocen sus familiares; ellos, por su parte, han oído los nombres de algunos de esos soldados, pero no los conocen. Saben que algunos han muerto, pero no saben cómo ni por qué. […] Sus familiares esperan que sean las mismas personas que mandaron a la guerra: el padre, el esposo… pero está esa otra vida fantasma, en la periferia. Gran parte de eso es invisible para la familia. Y yo quería dramatizar eso, poner al público en ese lugar.
Jason Hall (guionista y director)

Educar al público es algo que no puedes forzar, e igualmente no es lo que estamos buscando. Se trata de ofrecer una experiencia. Lo que intento hacer con mis películas que abordan cuestiones sociales es mostrar qué se siente al meterse en la piel de estas personas. No es algo que tengamos la oportunidad de hacer a menudo, estar en una habitación con dos personas que están pasando por algo, viviendo una crisis. Pero si podemos estar en esa habitación, si es algo real y auténtico… esa experiencia es educación en sí misma. En definitiva, si entendemos mejor a las personas, seremos capaces de apoyar su situación de una manera más productiva, sin piedad ni lástima, sino con tolerancia y compasión.
Jon Kilik (productor)

 

¿Cuándo te conviertes en un traductor experto en Disney?

No es cuando has traducido decenas y decenas de cuentos ilustrados, cómics y libros de actividades basados en películas y series de Disney, ni cuando has adaptado una quincena de éxitos del cine al formato «libro de la película», entre ellos Los Increíbles, Tiana y el sapo y Campanilla, ni  cuando has traducido revistas como «Cars», «Hannah Montana» o «Piratas del Caribe», ni tampoco cuando te has convertido en fan de series como «High School Musical», «Los magos de Waverly Place» o «Lizzy MacGuire» a fuerza de traducir varias colecciones de novelas juveniles. Tampoco cuando te has encargado de la traducción de un proyecto bastante curioso llamado «Real Life», que abarcaba revistas, libros, contenidos web e incluso una red social ficticia que se iba actualizando en tiempo real.

El gran juego
El reto de las 500 preguntas de Disney

Ni siquiera te has convertido en un traductor experto en Disney después de traducir las 500 preguntas de las que consta El gran juego Disney (proyecto en el que incluso tuvimos que crear algunas de las preguntas, como «¿En qué año apareció en España la revista Don Miki?», «En Los Increíbles, ¿quiénes son Buddy, Incrediboy y Síndrome?», «¿Cómo se llaman las tres sobrinas de Daisy?» o «Enumera los tres clásicos de Disney que más han recaudado en la taquilla internacional»).

No. Después de todo esto te das cuenta de que no eres un traductor experto en Disney cuando te llama de improviso un editor y te pregunta cómo se traduce una frase que van a incluir en los créditos del libro Escenas de culto Disney: «Background inspired by the Cadillac Ranch by Ant Farm (Lord, Michels and Marquez)». Y no te dan más contexto. A bote pronto, un rancho de cadillacs creado por una granja de hormigas suena bastante surrealista. ¿Dónde puede aparecer algo así? ¿En algún episodio de Silly Symphonies? ¿O tal vez en algún corto de Pixar? ¿No será en una atracción de Disneyworld? ¿O en un extra del DVD de algún clásico? ¿O en una peli o serie de accción real?

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El Cadillac Ranch real y el de Cars

Por suerte, no es un dato difícil de encontrar en Internet. Esta fórmula aparece los créditos de la trilogía de Cars y, por extensión, de muchos productos basados en esta franquicia de Pixar/Disney. Ant Farm es un colectivo de artistas que en 1974 crearon la instalación Cadillac Ranch en Armadillo (Texas). Y este paisaje artificial inspiró la silueta de la cordillera que domina Radiador Springs en las tres películas. Sabido esto, la traducción sale sola: «Fondo inspirado en el Cadillac Ranch de Ant Farm (Lord, Michels y Marquez)».

Así pues, cuando creas que ya eres un traductor experto en Disney, espera esa llamada imprevista que te demostará que tienes mucho que aprender. Lo hemos vivido.

 

Hace mucho tiempo, en un doblaje muy, muy lejano…

El estreno de La Guerra de las Galaxias (Star Wars) en 1977 fue el primer contacto del público con una galaxia muy, muy lejana poblada de droides, espadas láser, caballeros jedi, lados de la Fuerza y toda una serie de conceptos y personajes que serían ampliados en películas posteriores pero que, por aquel entonces, nadie comprendía muy bien, tal vez ni el mismísimo George Lucas. De hecho, Alec Guinness llegó a describir como «mumbo jumbo» (galimatías) los diálogos de su personaje, Obi-Wan Kenobi.

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El Marksman-H training remote

Lo mismo debió de pensar el traductor al español de la película cuando abordó la escena del entrenamiento de Luke Skywalker en el Halcón Milenario: «Going good against remotes is one thing. Going good against the living? That’s something else», dice Han Solo cuando Luke aprende a bloquear con los ojos tapados los rayos del remote (un droide de entrenamiento). Lamentablemente, el traductor no tenía ni remota idea de lo que era un remote (¿podemos culparle?). Como al fin y al cabo se trataba de una escena de iniciación mística, decidió seguir sus instintos y se puso creativo: «Que valga para los lejanos es una cosa, que valga para los vivos es algo muy diferente». El joven granjero, naturalmente, está dispuesto a demostrar que sí vale para «los lejanos», y al final de su sesión de entrenamiento, exclama: «He sentido algo extraño, casi he podido ver a los lejanos».

Pero éste es solo el más llamativo de la serie de desaciertos que salpican la traducción de las tres películas de la trilogía clásica, es decir, los episodios IV al VI: «señal de desastre» (en lugar de «señal de socorro»), «carrera Kessel» («corredor de Kessel»), «reactores inferiores» («motores subluz»), «turbo láser» («rayo de tracción»), «puertas romboides» («puertas antirrayos»), «escuadrón rojo» («escuadrón rebelde/pícaro/furtivo»), «avanzada imperial» («caminante imperial»), «superdestructor» («destructor imperial»), etc. También se pasó de pronunciar «yedái» a «yedi» entre los episodios V y VI. Por no hablar de las referencias a «womp rats», «blaster» o «speeder» que quedaron obviadas en los diálogos. Por ejemplo, cuando Luke se encuentra con la oportunidad de repetir en el ataque a la Estrella de la Muerte sus proezas cazando ratas womp, dice: «It’s Beggar’s Canyon all over». La frase se solucionó así: «Nos jugamos el todo por el todo», respetando una de las máximas del traductor (si no hay manera de captar el sentido de algo, tradúcelo por algo que sí tenga sentido y cuadre en el contexto). Otras frases , en cambio, tienen menos sentido: «You certainly have a way with people» no es «En realidad tienes mucho don de gentes». No cuando la irónica Leia Organa está reprochando a Han su decisión de confiar en Lando Calrissian. Y cuando Yoda revela a Obi-Wan que «hay otro», debería haber dicho: «hay otra» (otra Skywalker, o bien otra esperanza). Pero claro, ¿cómo iba a saber el traductor de El Imperio contraataca que Leia era hermana de Luke? La princesa de Alderaan confiesa luego, en El retorno del Jedi, que «siempre lo he sentido», pero los traductores no tenemos tanta conexión con la Fuerza como para sentir esas cosas.

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Subtítulos en una edición primitiva de La Guerra de las Galaxias. Más tarde se corrigió el error para que los espías rebeldes robaran planos.

Otras soluciones de la traducción de la trilogía original no son necesariamente desacertadas, pero la falta de un criterio uniforme (que se adoptó más tarde, con la incorporación de Quico Rovira-Beleta como traductor de las películas a partir de 1999) hace que tengamos un baile de «espadas láser», «espadas de luz» y «sables láser». ¿Debemos temer el «reverso tenebroso» o el «lado oscuro» de la Fuerza? Va a ser que los designios de la Fuerza son inescrutables (aunque lo mismo se denominan «los caminos de la Fuerza» como «el orden de la Fuerza»). Y, en todo caso, ¿qué debe seguir un jedi, sus «sensaciones», su «instinto» o sus «sentimientos»? En fin, con tanta confusión de sentimientos, es difícil tener las ideas claras sobre la forma de traducir «I have a bad feeling about this» (la frase que se repite en cada una de las entregas). Desde «No me gusta nada lo que está pasando» hasta «Esto no me gusta nada», pasando por «Esto no me huele bien» o, sin tapujos, «Esto me huele muy mal». Claro que no todo fueron desaciertos. Frases como «No conviene soliviantar a un wookie», «No hay recompensa que compense esto», «Te gusto porque soy un sinvergüenza» y, sobre todo, la emblemática «Que la Fuerza te acompañe», son inmejorables.

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En este capítulo de la Guía visual definitiva (Planeta Cómic, 2013), los traductores Daniel Cortés y Carlos Mayor nos recuerdan cuál podía haber sido el título del Episodio VI.

Cuando, veinte años después de la aparición de la primera película de la saga, se reestrenó la trilogía clásica con escenas nuevas y banda sonora reelaborada, se perdió una magnífica oportunidad de hacer la tan necesaria revisión del doblaje. Lo mismo ocurrió con los sucesivos lanzamientos en DVD de las películas, que fueron restauradas y remasterizadas pero no redobladas. Pero, ¿por qué no? Si vale la pena invertir dinero y esfuerzos en hacer que Greedo dispare primero, qué menos que sacar de su engaño al suspicaz espectador que piense que Luke veía «a los lejanos» por los efectos de algo que se había tomado en la cantina de Mos Eisley.

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Edición de 1981 de la adaptación de Star Wars al cómic, con un título más fiel al original pero con menos gancho

Y, puestos a revisar, tal vez valdría la pena también replantearse el título con el que se tradujo Return of the Jedi. Sabemos que the Jedi puede indicar tanto plural como singular, igual que the Sith (como demuestra el título del Episodio III). Así pues, ¿es un solo jedi el que hace su retorno? ¿O es la Orden Jedi, interrumpida con el advenimiento del Imperio y restaurada con el adiestramiento de Luke y su posterior adopción de nuevos discípulos? Los cambios de título no son algo nuevo en la saga, ya que La Guerra de las Galaxias (una traducción entrañable pero poco adecuada de Star Wars, ya que en la saga hay una sola galaxia y varias guerras, al menos una por trilogía) acabó convirtiéndose en Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza.

¿Disfrutaremos alguna vez de un doblaje decente de la trilogía clásica? Quién sabe, ojalá en 2017, coincidiendo con el estreno del Episodio VIII y con el cuarenta aniversario de aquel legendario 4 de mayo de 1977, alguien decida dedicar el presupuesto necesario a que Han deje de tener don de gentes y a que Yoda tenga más claro el sexo de los hijos de Anakin Skywalker. Lo único que lamentaríamos es perdernos la inigualable voz de Constantino Romero, sin la cual Darth Vader causaría menos impresión cuando asfixia al escéptico almirante Motti espetándole: «Su carencia de fe resulta molesta».

Sufragistas, heroínas modernas

 

El 18 de diciembre, DeAPlaneta estrena Sufragistas, cuyo material de prensa ha sido traducido por Traducciones Decine. El título original de la película, Suffragette, es un término que acuñó la prensa británica para mofarse de las activistas del movimiento por el sufragio de las mujeres y que éstas acabaron haciendo suyo. El voto femenino es un concepto que hoy en día damos por sentado y consideramos indisociable de cualquier democracia. Sin embargo, hace sólo un siglo, las mujeres, junto con los presos, los enfermos mentales y los hombres pobres, estaban excluidos del proceso parlamentario en el Reino Unido.

En un principio, los miembros más activos y militantes del movimiento eran mujeres jóvenes y solteras con pocas responsabilidades domésticas, generalmente de clase acomodada. Conscientes del poder que tenía el por aquel entonces incipiente arte de la publicidad, crearon una «marca» que les resultó muy útil como herramienta propagandística: adoptaron los colores morado, blanco y verde, se anunciaron con carteles y mensajes con tiza en las aceras y tomaron las calles en el Londres eduardiano. Desfilaban al son de marchas sufragistas, se encadenaban a edificios gubernamentales, daban discursos en público e incluso celebraron un festival de coronación paralelo concidiendo con la ascensión al trono de Jorge V.

Por desgracia, tras décadas viendo cómo sus reivindicaciones eran desoídas por el poder, desdeñadas por la sociedad y ridiculizadas por la prensa con crueles caricaturas y titulares, el movimiento sufragista se radicalizó a la vez que mobilizaba a activistas de todas las capas de la sociedad. Las mujeres de clase trabajadora empezaron a organizar mítines, a hablar y a ser oídas por primera vez, trabajando codo a codo con mujeres de otras clases unidas por el vínculo del mismo ideal. En la década de 1910, el movimiento reorientó su estrategia a los ataques contra la propiedad y a la alteración de la vida pública. Más de un millar de sufragistas fueron condenadas a prisión por su militancia, donde protestaron por las condiciones penitenciarias mediante huelga de hambre y fueron sometidas a la tortura de la alimentación forzosa. A la larga, la entrega y el sacrificio de mujeres como Emily Wilding Davison, Emmeline Pankhurst y sus hijas Christabel, Sylvia y Adela, empezó a conmover al público.

Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial, las mujeres se volcaron en el apoyo al esfuerzo bélico. De hecho, el movimiento sufragista había inspirado en sus partidarias una confianza e independencia que les permitió desafiar el dominio masculino de la sociedad en la que vivían y demostrar que las mujeres estaban preparadas para asumir responsabilidades reservadas a los hombres. La contribución femenina a la victoria y la recuperación económica del país se reconoció en 1918 con la concesión del derecho al voto parlamentario a las mujeres mayores de treinta años pertenecientes a la clase adinerada.

Ahora sólo nos queda preguntarnos por qué este capítulo tan crucial de la historia moderna no ha sido tratado con profundidad en el cine hasta ahora. Pasemos la palabra a las mujeres protagonistas de este hito en la historia del cine:

PosterSufragistasNos sorprendió lo adelantadas que estaban aquellas mujeres a su tiempo. Rompieron todos los tabúes y convenciones sociales. Nos dimos cuenta de que la gente de ahora tenía muy poca información al respecto. En cierto modo, se ha ocultado. No se enseña en las escuelas, y no hay mucha consciencia sobre los límites a los que llegaron las sufragistas, con la colocación de explosivos y los ataques a la propiedad, ni sobre la brutal respuesta de las autoridades, con las palizas de la policía y la alimentación forzosa en las cárceles. Parecía una historia jamás contada.
Sarah Gavron (directora)

Quizá, en muchos sentidos, seamos la primera generación de mujeres con poder. Pero también soy consciente de la desigualdad y el sexismo que aún reinan, aunque de una forma menos patente en el mundo occidental, pero desde luego están ahí en otras partes del mundo, como por ejemplo Nigeria, Pakistán y Oriente Medio.
Abi Morgan (guionista)

Esta película va sobre las mujeres. Sobre la lucha por ser escuchadas, por tener voz. Pero, por supuesto, su mensaje resulta relevante para todos, tanto mujeres como hombres, para cualquiera a quien le interese la justicia social y la igualdad, y la necesidad de todos los seres humanos de sentirse valorados.
Faye Ward (productora)

La nuestra no es una película sobre una época pasada que ya no nos incumbe. No trata sobre un hecho histórico, sino sobre un movimiento de vocación universal que aún continúa vigente.
Carey Mulligan (Maud Watts)

Esta película reta a los espectadores a preguntarse hasta dónde habrían llegado por defender sus propios derechos.
Helena Bonham Carter (Edith Ellyn)

Todas nuestras hijas deberían conocer esta historia, y todos nuestros hijos, grabarla en su corazón.
Meryl Streep (Emmeline Pankhurst)

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La verdad, según Dan Rather

Ya está en cines La verdad, estreno de DeAPlaneta cuyo dosier de prensa ha sido traducido por Traducciones Decine. La película, protagonizada por Cate Blanchett y Robert Redford, trata de la polémica que generó la investigación de 2004 del programa «60 Minutes II» sobre el trato de favor que recibió el entonces presidente George W. Bush en la Guardia Nacional Aérea de Texas. Esta investigación acabó forzando la salida de la cadena CBS del legendario presentador Dan Rather y de su productora, Mary Mapes.

Pero pretender acallar a un periodista es como pedirle que deje de respirar. Mapes dio su versión de los hechos en el libro Truth and Duty: The Press, the President, and the Privilege of Power (La verdad y el deber: La prensa, el presidente y el privilegio del poder), en el que se basa la película, mientras que Rather ha seguido trabajando como periodista de campo para la televisión y productor de documentales, además de regalarnos declaraciones como las siguientes (extraídas del dosier de prensa de La verdad):

La-verdad-2015No puedes tener una república constitucional basada en los principios de libertad y democracia sin la verdad en la prensa, porque una ciudadanía informada es vital. La libertad y la democracia se aniquilan si también se aniquila un periodismo verdaderamente independiente (ferozmente independiente si es necesario). Y eso no sólo ocurrió con el reportaje de Bush y la Guardia Nacional. Ocurre cada noche, en las calles, en las salas de redacción de emisoras nacionales y locales, en las ciudades de todo el país. 

Nuestra forma de gobierno debería ser del pueblo, por el pueblo y para el pueblo, pero eso sólo puede funcionar si el pueblo sabe lo que ocurre en realidad. Y ésa es la misión del periodista, descubrir y difundir lo que los que están en el poder no quieren que sepas, lo que quieren mantener oculto. Y eso sólo es posible cuando los periodistas pueden actuar en un sistema que apoya la independencia y la integridad.

Esta película trata de lo que ha ocurrido con la difusión de noticias, cómo y por qué ha ocurrido, y por qué eso debería preocuparte. (…) Si nuestra historia ayuda aunque sea a un periodista a plantar cara a la intromisión y la intimidación, si ayuda aunque sea a un espectador a comprender lo importante que es una noticia veraz, si ayuda aunque sea a un votante a elegir a quienes protegen la democracia y el periodismo de quienes pretenden envenenarlos, todo habrá valido la pena.

 

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¿Qué es una traducción Decine?

Lo que no es: una traducción amateur. Lo que sí es: una traducción profesional, hecha por especialistas con quince años de experiencia en la traducción de textos sobre cine y televisión; desde libros sobre cine hasta dosieres de prensa, pasando por revistas, cómics, novelas y ábumes ilustrados basados en películas y series de éxito.

Lo que no es: una traducción literal. Lo que sí es: una traducción fiel, equivalente en contenido, sentido e intención al texto original, redactada por escritores solventes en la lengua de llegada familiarizados con juegos de palabras, frases hechas, argot y referencias culturales que, si es necesario, adaptan el texto según las necesidades del cliente o del público.

Lo que no es: una traducción apresurada. Lo que sí es: una traducción concienzuda realizada por expertos que conocen el medio y se documentan para conocer detalles desde el título de una película hasta el nombre de un personaje, pasando por nombres de organizaciones y citas de películas o libros.

Lo que no es: una traducción desatendida. Lo que sí es: una traducción mimada, producida por traductores expertos que trabajan estrechamente con el cliente para resolver obstáculos tanto de contenido como de presupuesto que surjan antes, después o durante el proyecto.

marx 2Lo que no es: una traducción low cost. Lo que sí es: una traducción de calidad, creada por profesionales conscientes de que el trabajo entregado repercute en la imagen del cliente. Un texto con errores de traducción es tan poco presentable como una impresión llena de borrones.

Lo que no es: una traducción informativa, “para que se entienda”. Lo que sí es: una traducción para publicar, teniendo en cuenta que la van a leer miles de personas y que por lo tanto deben pasar por un proceso exhaustivo de revisión y control de calidad.

Como ejemplo de lo que es una traducción Decine, en la pestaña Muestras ofrecemos fragmentos de algunos de los trabajos realizados para distribuidoras de cine, y en la pestaña Publicaciones reunimos las cubiertas de diversas obras traducidas para el sector editorial, desde novelas y obras de referencia hasta cómics y revistas. Además, a la derecha de esta página desfila una galería de carteles correspondientes a las películas en cuya promoción hemos colaborado y que dan fe de nuestra dilatada experiencia como traductores Decine. Si deseas conocernos, no lo dudes, haz clic en la pestaña Contacto.

 

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